Além das Tesouras: A Vida Intensa e a Alegria Simples de Henri Matisse

Se hoje entrasse numa casa e não visse pelo menos uma forma inspirada em Matisse numa parede, numa almofada ou numa manta, provavelmente estaria numa máquina do tempo. O homem está em todo o lado. Mas aqui na Posterscape, não achamos que isso seja negativo. Pelo contrário. Henri Matisse é quase o santo padroeiro de tornar uma divisão mais humana. Passou a vida a tentar reduzir a arte aos seus elementos mais básicos e alegres e, sinceramente, ainda colhemos os frutos desse trabalho.

A maioria das pessoas conhece-o pelos "recortes", aqueles nus azuis e formas folhosas que parecem ter sido feitos por uma criança muito talentosa com uma tesoura gigante. Mas o percurso de Matisse não começou aí. Foi longo, muitas vezes difícil, e cheio de gente a dizer-lhe que estava a fazer tudo errado. Queremos ver como um ex-escrivão de um tribunal do norte de França acabou por ensinar o mundo a usar a cor.

O estudante de Direito que encontrou uma caixa de tintas

Matisse não foi um prodígio infantil. Não cresceu a desenhar no Louvre. Nasceu em 1869 numa cidade fria e chuvosa chamada Le Cateau-Cambrésis. A família vendia cereais. Foi para Paris estudar Direito, passou nos exames e começou a trabalhar como escrivão. Era uma vida aborrecida, e parecia conformado com isso até ter uma apendicite aos 21 anos.

Enquanto se recuperava na cama, a mãe deu-lhe uma caixa de tintas. Mais tarde disse que, a partir do momento em que começou a pintar, sentiu que tinha encontrado o seu "paraíso". Abandonou a carreira jurídica, o que provavelmente não deixou o pai muito contente, e mudou-se para Paris para estudar arte. Pode ler mais sobre a biografia inicial na sua página na Wikipédia.

Nesses primeiros anos procurava a sua voz. Pintou paisagens e naturezas-mortas que eram aceitáveis, mas ainda não eram "Matisse". Procurava algo mais. Esse "algo" chegou quando deixou de tentar pintar as coisas como pareciam e começou a pintá-las como se sentiam. Isso deu origem a uma obra que abalou os críticos da altura: Le bonheur de vivre (A alegria de viver) (1905). Quando vemos este pôster agora, percebemos uma cena pastoral e tranquila com linhas onduladas e laranjas e amarelos vivos. Em 1905, muita gente achou que era uma piada ou um insulto. Chamaram-lhe a ele e aos amigos "Fauves", ou "Feras Selvagens".

Harmony in Red (1908)

A era da Fera Selvagem

O movimento fauvista não durou muito (apenas alguns anos) mas mudou tudo. Matisse e o amigo André Derain decidiram que a cor não tinha de descrever a realidade. Se uma árvore lhes parecia vermelha, pintavam-na de vermelho. Se um rosto tinha uma risca verde no meio, assim fosse. Era radical. Foi o nascimento da arte moderna como a conhecemos.

Adoramos a energia desse período. Era sobre emoção crua. Mas à medida que Matisse envelheceu, afastou-se da "selvageria" e começou a procurar "equilíbrio, pureza e serenidade". Não queria que a sua arte deixasse as pessoas ansiosas. Disse, com razão, que queria que a arte fosse como uma boa poltrona: um lugar para repousar depois de um dia de trabalho. Achamos que acertou em cheio.

Nu sentado visto de trás (1913)

Mudar para Sul e encontrar a luz

Matisse acabou por deixar os céus cinzentos de Paris e mudou-se para Nice, na Riviera Francesa. Foi um ponto de viragem. A luz mediterrânica alterou a sua paleta. Começou a pintar interiores, janelas abertas e figuras em divisões cheias de tecidos padronizados. Ficou obcecado com a forma como a luz entrava por uma janela com estores.

Nesse período o seu trabalho tornou-se mais decorativo e fluido. Um grande exemplo do foco na forma nessa fase intermédia é o Nu com colar e cabelo comprido (1920). É um estudo simples e elegante. Mostra como podia usar poucas linhas para sugerir todo um estado de espírito. Não tentava mostrar cada músculo ou sombra; procurava captar a essência da pessoa. Se passar pelo sul de França, não deixe de visitar o Museu Matisse em Nice. Fica numa bela moradia do século XVII e alberga uma das melhores coleções da sua obra no mundo.

Polynesia, the sea (1946)

A segunda vida: desenhar com tesoura

A parte mais famosa da história de Matisse aconteceu já perto do fim da vida. Nos anos 40 foi submetido a uma operação por cancro abdominal. A cirurgia salvou-lhe a vida, mas deixou-o confinado maioritariamente a uma cadeira de rodas ou à cama. Já não podia ficar de pé junto a um cavalete para pintar. A maioria das pessoas teria-se aposentado. Matisse mudou apenas as ferramentas.

Começou a "pintar com tesouras". Tinha assistentes que pintavam grandes folhas de papel com gouache brilhante. Depois cortava formas do papel e fazia com que os assistentes as prendessem nas paredes do quarto. Foi assim que nasceram os "recortes". Chamou a esta técnica "desenhar em cor". Era uma forma de combinar linha e cor num único movimento. Achamos que é um dos capítulos mais inspiradores da história da arte. Pegou numa limitação física e usou-a para inventar uma maneira totalmente nova de criar arte.

Uma das obras mais reconhecíveis desta fase é Ícaro (do Jazz) (1947). Faz parte de um livro que fez chamado Jazz. A imagem da figura negra com o coração vermelho contra o céu azul é tão simples, mas atinge-nos no peito. Não se trata do mito grego de forma literal; trata-se da sensação de voar e do perigo de cair. É ousada, é gráfica, e continua a parecer moderna hoje, tal como parecia há oitenta anos.

Outro dos nossos favoritos desse período é Polynesia, the sea (1946). Matisse visitara o Tahiti anos antes e usou as memórias da luz e do oceano para criar formas rítmicas, parecidas com pássaros e peixes. É como um poema visual sobre a água. Quando vemos este pôster quase que sentimos a brisa do mar. É um lembrete de que a arte não precisa de ser complicada para ser profunda.

Por que é que Matisse continua a importar

Talvez pergunte por que vemos tanto Matisse ultimamente. Por que é que um homem que morreu em 1954 continua a ser o rei da decoração doméstica? Temos algumas teorias.

Primeiro, o seu trabalho é incrivelmente versátil. Como se focou em formas básicas e cores primárias, os seus pôsteres não entram em conflito com mobiliário moderno. Quer tenha um apartamento minimalista quer uma casa cheia de peças vintage, um pôster de Matisse parece encaixar. Acrescenta um pouco de alma sem sobrecarregar o ambiente.

Segundo, há um profundo sentido de otimismo na obra dele. Matisse viveu duas guerras mundiais e várias crises de saúde pessoais, mas recusou-se a pintar arte "sombria" ou "irada". Escolheu a alegria. Preferiu olhar para flores, para bailarinos e para o mar azul. Num mundo que por vezes pesa, ter esse tipo de postura na parede é um lembrete diário agradável para procurar a luz.

Terceiro, o estilo dele parece acessível. Quando se olha para um recorte, parece algo que quase se poderia fazer em casa (mesmo sendo, na prática, extraordinariamente difícil alcançar esse equilíbrio). Não é intimidante. É arte amiga.

Criar a sua própria galeria de parede

Se quer trazer um pouco desse espírito do mestre francês para o seu espaço, sugerimos começar pela nossa coleção completa de pôsteres de Matisse: coleção de pôsteres de Matisse. Reuniu-se uma mistura dos seus primeiros desenhos, das pinturas fauvistas e, claro, dos icónicos recortes.

Perguntam-nos muitas vezes como os combinar. A beleza é que não há regras. Pode optar por uma peça grande e declarativa, como um "Nu Azul" sobre um sofá, ou misturar vários pôsteres mais pequenos. Verificamos que Matisse funciona especialmente bem quando o combinamos com fotografia ou impressões botânicas. Como o trabalho dele está tão centrado na natureza e na figura humana, faz a ponte entre estilos diferentes com facilidade.

Também não tenha medo da cor. Muita gente joga pelo seguro com bege e cinzento, mas adicionar um toque de azul-Matisse ou um apontamento de laranja de Le bonheur de vivre pode transformar toda a energia de uma divisão. Faz com que o espaço pareça vivido e pensado — algo que apreciamos ao decorar casas portuguesas.

Le bonheur de vivre (1905)

Uma herança de tesouras e espírito

Matisse trabalhou até ao fim. Mesmo quando estava acamado, usava um longo pau com carvão na ponta para desenhar no teto e continuar a criar. Era obcecado pela ideia de "simplificar". Queria encontrar a linha que descrevesse todo um corpo. Queria encontrar a tonalidade de azul que parecesse o céu.

Acreditamos que é por isso que a obra dele não envelheceu. As tendências vão e vêm. Um ano toda a gente quer "industrial" e no ano seguinte todo o mundo quer "farmhouse", mas Matisse mantém-se. Está fora dessas modas porque procurava algo mais universal. Procurava o equivalente visual de um suspiro profundo.

Se quiser aprofundar o lado técnico da obra dele, o Met tem um ensaio excelente sobre a sua carreira. Mas, honestamente, não precisa de um mestrado em história da arte para o apreciar. Basta olhar para as obras e ver como o fazem sentir. Se o deixam um pouco mais leve, então Matisse fez o seu trabalho.

Considerações finais

Temos orgulho em oferecer estas peças na Posterscape. Para nós, a arte não é apenas preencher um espaço vazio numa parede. É a atmosfera que cria para a sua vida. Henri Matisse passou oitenta anos a tentar descobrir como pôr felicidade no papel, e nós ficamos felizes por poder partilhar isso consigo.

Portanto, quer seja atraído pelas linhas fluidas dos seus primeiros desenhos dos anos 20, quer prefira o impacto gráfico e ousado dos recortes tardios, há algo no catálogo dele para todos. Dê uma vista de olhos à coleção, encontre uma peça que lhe fale e traga um pouco desse sol mediterrânico para a sua casa. Prometemos que vai ficar ótimo.